2017

Carlo Bertè dipinge dalla sua prima gioventù. I maestri che ha incontrato e frequentato sin da Piacenza e poi successivamente a Brera, a Londra, a Parigi lo hanno nutrito così come gli scrittori che ha frequentato, le letture e i viaggi. Questa affermazione banale nella sua semplicità schiude la porta ad una riflessione sulla continua evoluzione della sua pittura. La sua sensibilità artistica assorbe gli stimoli che la contemporaneità gli offre ma la metabolizzazione successiva origina una creatività del tutto originale, autonoma e indipendente. Non ascrivibile quindi a questa o quella scuola (anche se critici come Patrick Waldberg lo hanno associato al surrealismo o Sgarbi lo ha raccontato nella scuola – o nella bottega, come Carlo Bertè preferisce dire- di Piacenza), Carlo Bertè ha naturalmente trovato un suo linguaggio espressivo che manifesta nello stesso tempo la sua connessione con il mondo o i modi della realtà e la sua identità, la sua individualità artistica. Per chi lo segue da anni, risulta evidente come al fondo ci siano i ricorrenti stilemi della sua ricerca: i vuoti e i pieni, le campiture di colore che danno il ritmo, le cadenze d’inganno e la scelta d’intonare un linguaggio pittorico che utilizza figure, nature morte, paesaggi e oggetti “riconoscibili” per una pittura che é però sostanzialmente “astratta” perché non racconta niente, che non ha profondità o, come direbbe Hugo Von Hoffmanstahl, che cela la profondità nella superficie. Questa caratteristica così “sua” e che gli ha permesso di essere contiguo e amico di pittori con estetiche lontano dalle sue (Reggiani, Foppiani, Matino, Walter Valentini…), ha sempre trovato conferma pur nei diversi “periodi” della sua pittura. Dopo le “Catastrofi” (cfr Mazzotta editore) arrivano i “veli” bianchi. Come in quel caso la preparazione di fondi rovinata dalle caratteristiche della
tela usata aveva originato una serie di soggetti straordinari in cui si fondevano le architetture in
Crollo con i patches tipici delle tecniche di restauro, le opere degli ultimi due anni traspaiono da “veli” bianchi. L’uso di carta di seta -ricevuta in regalo da un caro amico al corrente della continua ricerca di supporti non conosciuti- posata sui paesaggi con la tecnica del “marouflage”, li sommerge e nello stesso tempo li fa emergere da una “nebbia” che ne sfuma i contorni aumentando in chi li osserva la necessità di non concentrarsi sul rappresentato, sul figurativo ma sulla “pittura” nella sua essenza. Un nuovo Carlo Bertè e pur sempre lui: ci stupisce e ci gratifica la freschezza e la sempre originale e mai “pretenziosa” sua ricerca artistica.

Carlo Bertè has been painting since his youth. The masters he met and frequented first in his native Piacenza, and later on at the Brera Academy of Fine Arts in Milan, in London, and in Paris, nourished him. As did the writers he met, along with his early exposures to literature and travel. In its simplicity, this fundamental realization opens the door to a reflexion upon the ongoing development of his art. His artistic sensibility includes the inputs provided by his times, while their subsequent metabolization has evolved into an original, autonomous, and independent creative form. Without belonging to any “school” — albeit critics such as PW have associated him with Surrealism, and Sgarbi situated him within the school, or workshop (as Bertè would prefer to call it), of Piacenza — Carlo Bertè naturally found a personal expressive language which also manifests his own ties with the world, with reality, as well as with his identity and artistic individuality. For those who have followed his work over the years, the stylistic elements of his pictorial quest are self-evident: emptiness and fullness of shape, rhythm-defining coloring patterns, deceptive cadences, and the will to set the tone of his painting language by placing figures, still lives, landscapes, and “recognizable” objects into the service of a painting style that is substantially “abstract,” since it does not “tell” anything, and does not have any “depth,” or, as Hugo Von Hoffmanstahl would have said, that absconds its depth on its surface. Such a uniquely personal character — which has allowed him to be intimate with and close to painters who hold drastically different aesthetic outlooks (such as Reggiani, Matino, and Walter Valentini…) — holds true across the different “periods” of his artistic trajectory. After “Catastrofi” (Mazzotta), he is now confronting white “veils.” In the earlier case, the setting of a background surface that was being “ruined” by the physical properties of the canvas originated a series of extraordinary subjects which fused crumbling architectures with “patches” drawn from the techniques of art conservation. Over the last two years, Bertè’s work has instead moved towards the adoption of distinctive white “veils.” Silk paper — the gift of a dear friend, who is deeply familiar with the artist’s ongoing search for previously uncharted painting surfaces — is thus laid atop landscapes, through the technique of “marouflage,” and buries them and at the same time highlights them within a “mist” that blurs their contours. In turn, this enhances the viewer’s need to divert her or his gaze away from what is being represented — that is, the figurative elements of the composition — and instead allows them to focus upon the “painting” itself, and on its very essence. This is a new Carlo Bertè, and yet always himself. We are struck and at the same time gratified by the fresh, always original, and yet never pretentious character of his artistic research.

Carlo Bertè peint dès sa première jeunesse, les maîtres qu’il à rencontrés et fréquentés en commençant par Piacenza et puis successivement Brera, Londres et à Paris, ont nourri son art et créativité, ainsi que les écrivains qu’il à fréquenté, ses lectures et voyages. Cette affirmation banale dans sa simplicité en ouvre la porte à une réflexion sur la continuelle évolution de sa peinture. Sa sensibilité artistique absorbe les stimulus que l’art contemporain lui offre, mais sa métabolisation successive origine une créativité en tout originelle, autonome et indépendante, qui n’est donc pas attribuable a une ou autre école (même si des critiques comme Patrick Waldberg ont pu l’associer au surréalisme, ou Sgarbi qui l’à expliqué à l’école où à l’atelier, comme Carlo préfère de dire- de Piacenza), Carlo Berté à naturellement trouvé un langage propre expressif qui manifeste à la fois sa propre connexion avec le monde ou les modes du réel et sa propre identité, son individualité artistique comme auteur. Pour qui le suit depuis des années, il est évident qu’au fond se trouvent les courants caractéristiques du style et de sa recherche: les vides et les pleins, les fonds de couleurs qui donnent du rythme, les cadences “d’inganno” (de tromperies) et le choix de s’assortir d’un langage pictorique qui utilise des figures, natures mortes, paysages et objets normalement reconnaissables pour une peinture qui est pourtant essentiellement abstraite, qui ne “raconte” rien, qui n’à pas de profondeur, ou comme dirait Hugo von Hoffmanstahl, qui cache la profondeur dans sa surface. Cette particularité si propre, et qui lui à permis d’être co-auteur et ami avec des peintres qui esthétiquement étaient lointains de la sienne propre (Reggiani, Foppiani, Matino, Walter Valentini…), il à toujours trouvé une confirmation même dans les diverses périodes de sa peinture. Après les “Catastrofi” (cfr Mazzota editore) arrivent les Voiles Blancs. Comme dans ce cas la préparation de fonds ruinée par les caractéristiques de la toile utilisée avait donné origine à une série de sujets extraordinaires dans lesquels se fondaient les architectures en délabrement avec des “patches” typiquement propres de techniques de restauration, les oeuvres des deux dernières années transparaissent des voiles blancs. L’usage des feuilles de soie -reçus en cadeau d’un ami très cher étant au courant de la continuelle recherche de supports peu connus posée dans l’exécution de paysages avec la technique du “marouflage” qui les submerge et au même temps les fait émerger dans un brouillard qui retrace ses contours, en augmentant dans l’observateur le besoin de ne pas se concentrer sur le représenté, le figuré, mais sur la peinture en son essence. Un nouveau Carlo Berté et puis toujours lui même: il nous ébahit et gratifie, par sa fraicheur et sa toujours originelle et jamais prétentieuse recherche artistique.

Carlo Berté